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7 de abril de 2021 2

El caballo de Troya musical. Destrucción de la civilización occidental a través de la música y las artes

(Por Boyd D. Cathey) –

Uno de los aspectos significativos de la actual locura revolucionaria que azota a la nación es el asalto desenfrenado a los artefactos culturales de la civilización cristiana occidental. En efecto, el ataque a los monumentos y la nomenclatura de los fuertes, escuelas y calles del Ejército, y mucho más, es emblemático de algo más profundo e irreparable, un asalto a lo que esos símbolos significan.

En un sentido más amplio, este asalto presagia una negación básica de la riqueza y los frutos nutritivos de nuestra cultura y lo que esa cultura nos ha dado. Porque esa negación va mucho más allá de los símbolos visibles en cobre y granito o en nombres de lugares. Hemos visto esto en las crecientes demandas de una “limpieza cultural” de nuestra sociedad al estilo de los talibanes. Y de ahí los crecientes ataques a nuestra herencia artística, a esas obras de arte que nos recuerdan lo que nuestra civilización ha creado y, de hecho, su generosidad, bondad y creatividad que han ayudado a moldear quiénes somos como personas.

En este clima de nihilismo, el arte notable, la literatura soberbia y la gran herencia musical clásica que nos ha mantenido en un éxtasis encantado, están siendo despojados, incluso retirados de la accesibilidad como el clásico del cine “Lo que el viento se llevó” (ahora ya no está disponible a través de plataformas de video HBO). En algunos casos, esto ha dado lugar a una prohibición de facto o total. Y si una obra de nuestra herencia es simplemente demasiado importante para ser borrada, entonces será reformulada y reinterpretada para apoyar la agenda revolucionaria.

Ahora se imponen sanciones de forma rutinaria a los defensores culpables de los dos milenios de cultura occidental heredada. Por lo tanto, mientras vemos cómo se destruyen las estatuas que conmemoran la herencia confederada y se derriban los símbolos que conmemoran a Washington, Jefferson, Cristóbal Colón, el padre Junipero Serra y otros, también debemos entender que este vandalismo abarca mucho más: la abolición de la herencia histórica y el rechazo de veinte siglos de civilización.

Los guardianes de nuestro patrimonio pueden manifestar una leve objeción, pero más comúnmente acceden y están de acuerdo con esta transformación radical de la cultura occidental. No es tanto por miedo a ser llamados “racistas” o defensores del “privilegio masculino”, más bien, demasiadas de nuestras élites culturales poseen el mismo “despertar” que domina las calles, aunque un poco más enrarecido.

Los efectos son particularmente dramáticos en la música de interpretación. Nuestra expresión musical da voz a nuestras alegrías, nuestra tristeza, nuestros triunfos, nuestras creencias y cómo nos vemos a nosotros mismos; es fundamental para nuestra comprensión de la civilización que nos rodea. Sin embargo, durante décadas ha habido un esfuerzo constante por socavar y remodelar esa expresión para que se ajuste a un molde y una agenda progresistas y posmarxistas. La concentración en la raza y el género es abrumadora. El “antirracismo” y el “feminismo” se han convertido en los puntos de referencia de esta transformación.

Durante el último medio siglo y más, los progresistas han tenido un gran éxito en la reestructuración de lo que a veces se denomina “cultura superior”, una apreciación y comprensión del papel en nuestra sociedad del arte, la literatura, la música y la arquitectura heredados, y alterando su relación con la mayoría ciudadanos medios. Cuando era niño, por ejemplo, la música clásica se programaba de manera regular y popular en la radio comercial; la principal estación local en ese momento en Raleigh, Carolina del Norte, WPTF, presentaba tanto las transmisiones de Metropolitan Opera los sábados como un programa de música clásica todas las noches. a las 8 pm Network Television nos ofreció la duradera “Voice of Firestone” y “The Bell Telephone Hour”. Programas ampliamente vistos como el “Ed Sullivan Show” del domingo en horario estelar contarían con la soprano wagneriana Birgit Nilsson y la coloratura Joan Sutherland.

Si bien muchos de mis compañeros de la escuela de hace sesenta años realmente no se metieron en la música clásica como yo, al menos reconocieron su importancia y resonancia en la sociedad, que era una parte integral de nuestra herencia, y que rodeaba, recocía y recogía. ayudó a definir nuestra cultura y la hizo más completa. Quizás no escucharon el Met, pero todos conocíamos los temas de esos programas de televisión populares como “El llanero solitario” (con su uso de “William Tell Overture” de Rossini) o “Sergeant Preston of the Yukon” (con el “Donna Diana Overture”, de Reznicek). Y quién puede olvidar a Elmer Fudd cantando una versión de dibujos animados de Richard Wagner: “¡Maté al Wabbit!”

Hoy en día, es una programación de nicho en televisión y radio: canales de cable dedicados a un interés específico, radio dedicada a los 40 éxitos principales y música especializada, o charlas las 24 horas. La música clásica ha desaparecido por completo de la radio y la televisión comerciales. E incluso la reubicación de las representaciones clásicas a la radiodifusión pública hace treinta años, con su audiencia limitada, es cada vez más tenue. Ahora, cuando PBS ofrece una “gran actuación”, es más probable que sea música rock de la década de 1970 o tal vez algún muestreo étnico de celebración.

La plantilla hoy distorsiona ese importante elemento de nuestra herencia y nos desnuda ante los repetidos ataques del marxismo cultural y sus secuaces. Las artes se han politizado mucho y la música clásica, ahora en gran parte compartimentada, juega un papel en ese proceso.

Como explicaron los marxistas Antonio Gramsci y Georg Lukacs hace un siglo, la sociedad occidental y cristiana —su “ hegemonía ” – sólo podría ser derrocada mediante el desarrollo paciente, la educación de una clase de revolucionarios culturales. Y fue a través de una “larga marcha” a través de la cultura —en la educación, el entretenimiento y las artes, la religión— que Occidente sería derrotado, no por la fuerza de las armas.

La labor intelectual de la Escuela marxista de Frankfort (ubicada en la Universidad de Columbia después de ser expulsada de la Alemania nazi), y especialmente su influencia en la educación universitaria estadounidense, los estudios literarios y el uso de la “teoría crítica” para, en primer lugar, devaluar partes de la cultura occidental y Entonces, reposicionarlo totalmente como una esclava del marxismo cultural puede ser ampliamente debatido. Pero los efectos de sus teorías no pueden.

La música se considera un vehículo importante para alterar la cultura. Para Theodore Adorno , “la validez objetiva de una composición [musical]… no descansa ni en el genio del compositor ni en la conformidad de la obra con estándares anteriores, sino en la forma en que la obra expresa coherentemente la dialéctica del material. En este sentido, la ausencia contemporánea de compositores de la categoría de Bach o Beethoven no es signo de regresión musical; en cambio, se debe atribuir a la nueva música el mérito de poner al descubierto aspectos del material musical previamente reprimido: la liberación del material musical del número, la serie armónica y la armonía tonal. . . ”

Se puede argumentar que los intentos más recientes de “purificación” cultural han ido más allá de lo que Adorno o sus cohortes de la Escuela de Frankfort hubieran imaginado o deseado. Sin embargo, el desmembramiento del cuerpo de nuestra cultura heredada y su ideologización no podría haber ocurrido, al menos de la misma manera, si no hubiera sido por los primeros teóricos marxistas y sus seguidores.

La música clásica en esta narrativa es demasiado blanca, demasiado masculina. No solo se le ha quitado el énfasis en nuestras escuelas y en los medios de difusión, sino que se ha hecho todo lo posible para reinterpretarlo, reconstruirlo para darle un aspecto más políticamente correcto, menos “racista”, menos “blanco” y carácter menos “opresivamente masculino”, tanto en la forma en que se presenta en el escenario como en quién realiza la actuación.

Cada vez más, hay quienes sugieren una forma de acción afirmativa sobre cómo se forman los conjuntos musicales y cómo se emplean los músicos. “El statu quo no funciona [en el empleo]. Si las cosas van a cambiar, los conjuntos deben poder tomar medidas proactivas para abordar el espantoso desequilibrio racial que permanece en sus filas. Las audiciones a ciegas ya no son sostenibles ”, escribe el crítico musical principal del New York Times , Anthony Tommasini. “[E] l proceso de audición debe modificarse para tener más en cuenta los antecedentes y las experiencias de los artistas”. En otras palabras, la raza (y el género) deberían ser determinantes importantes para que un aspirante a músico obtenga un puesto en una organización musical o no.

Esto es especialmente urgente en la ópera, donde crece la demanda de más personal negro y de minorías (cantantes, personal, miembros de la junta de la empresa). Y, en particular, hay hostilidad hacia los blancos que desempeñan papeles de cara negra, como Otello en la ópera del mismo nombre de Giuseppe Verdi, roles que tradicionalmente han sido asumidos por los mejores vocalistas y no basados ​​en la raza. En otras palabras, un Plácido Domingo que es blanco y cuyo Otello es uno de sus papeles característicos, según este estándar participaría en el racismo. De hecho, Joshua Barone, nuevamente en el Times , etiqueta la defensa de la práctica de la soprano rusa Anna Netrebko de renombre internacional como “racista”, el eventual beso de la muerte para un artista.

Pero es en la representación pública donde los cambios revolucionarios y la reestructuración son más evidentes y culturalmente efectivos.

Hay literalmente cientos de ejemplos que podría dar, desde las presentaciones hiperizquierdistas de “Eurotrash” en la ópera, hasta el descubrimiento de mujeres de segundo (y tercer) nivel o compositoras negras que ahora están impulsadas por críticos “despiertos” y un récord capitalista global. empresas como “el nuevo Beethoven o Mozart”.

Permítanme citar un par de ejemplos recientes que me han llamado la atención.

La ópera cómica del genio de Wolfgang Amadeus Mozart, The Abduction from the Seraglio , que se burla juguetonamente del Islam, fue recientemente censurada y sus líneas reescritas por la Compañía de Ópera Canadiense. Para esa producción al norte de la frontera, la compañía hizo que un escritor brillante que “despertara” reescribiera el diálogo “para eliminar el lenguaje racista y antiislámico”. Pero, entonces, ¿sigue siendo Mozart?

Y después de años de esperar pacientemente la presentación de una de las óperas más fascinantes y significativas de la primera década del siglo XIX, Fernand Cortez de Gasparo Spontini , originalmente producida (1809) para glorificar la invasión y conquista francesa de la España “atrasada”. (fue revisado más tarde para reflejar el triunfo de los Borbones en 1815), un video decente(en el sello Dynamic) surgió esta primavera del Festival Musical de Florencia de mayo en Italia. Es una producción bastante tradicional y bien cantada, pocos de esos toques de “Eurotrash” que arruinan gran parte de las empresas musicales y teatrales actuales en estos días. Sin embargo, debido a que Spontini glorifica (con una música maravillosamente heroica) la conquista de México y la conversión de los aztecas paganos al cristianismo, el director se sintió obligado a agregar un mensaje proyectado en pantalla tanto al principio como al final básicamente condenando a occidente y colonialismo blanco y racismo. Sin embargo, surgen el libreto y la música originales, y espero ver condenas feroces de su resurgimiento como “racista” a pesar de la aplicación cosmética de la corrección política.

De hecho, hay un esfuerzo en marcha —increíblemente— para convertir a Ludwig van Beethoven en un hombre negro. Verá, como ha escrito el musicólogo Brenton Sanderson :

Dado el estatus de Beethoven como el genio musical arquetípico, no es sorprendente que los negros agraviados hayan intentado, desde principios del siglo XX, propagar el mito de que Beethoven tenía alguna ascendencia africana. La base de esta falsa afirmación fue la tez algo morena del compositor, y el hecho de que una parte de su familia tenía sus raíces en Flandes, que estuvo durante un período bajo el dominio monárquico español. Debido a que España tenía una conexión histórica de larga data con el norte de África a través de los moros, supuestamente se filtró un grado de negrura hasta el gran compositor.

Pero, dada la naturaleza de tal tergiversación y el reconocimiento implícito (y no deseado) de la superioridad del canon occidental, el mayor esfuerzo de nuestros revolucionarios culturales es más bien restar importancia o incluso deconstruir la tradición clásica por completo:

. . . Tales esfuerzos [para apropiarse de la tradición clásica] son ​​contraproducentes, simplemente sirven para tratar el canon occidental como fundamental y todos los demás estilos como desviaciones de esta norma, reforzando así “la noción de que la música clásica es un estándar universal y algo que todos debería aspirar a apreciar “. Tratar de convertir a Beethoven en negro y buscar desesperadamente los registros históricos en busca de ejemplos de no blancos que escribieron sinfonías es aceptar “una perspectiva centrada en los blancos que presenta las sinfonías como el máximo logro humano en las artes”. El musicólogo negro Philip Ewell está de acuerdo y aboga por “derrocar la estructura existente y construir una nueva que se adapte a la música no blanca a priori, sin necesidad de buscar la ‘inclusión’. . . “

Este proceso se está dando igualmente a través del énfasis en el género y lo que se denomina igualdad de género.

Por lo tanto, si bien podríamos reconocer el genio de una Clara Schumann o Fanny Mendelssohn en el siglo XIX, cada vez más tenemos empresas como ” Proyecto W “, una colección de composiciones, escritas recientemente por compositoras feministas, o el zumbido que rodea la música redescubierta de La compositora negra Florence Price (1887-1953) que satisface ambos criterios: femenino y negro.

Ahora, resulta que disfruto de la música de Price. Integra hábilmente varios temas folclóricos y melodías tradicionales en sus composiciones (en particular, sus varias sinfonías), algo parecido a lo que hizo Antonin Dvorak con su famosa “New World Symphony” (núm. 9), con el uso del tema “Goin ‘home” en el movimiento Largo .

Pero Price, a pesar de todo su genuino talento musical y su felicidad, no es Dvorak. Y aunque su producción es colorida y musicalmente entretenida, uno se pregunta si hubiera sido un hombre blanco, ¿estaría recibiendo la misma atención y fama en la actualidad?

De hecho, críticos tan versados ​​como David DeBoor Canfield en la prestigiosa revista Fanfare (julio / agosto de 2019) admiten que demasiados escritores contemporáneos (y progresistas) están “muy por encima de la cima al encontrar que su música es superior a la de cualquiera de sus contemporáneos (incluidos Gershwin y Copland) “.

No es.

Es agradable y estimable por derecho propio, y me complace que esté siendo programado y transmitido. Pero aquí no tenemos otro Aaron Copland o George Gershwin, mucho menos un nuevo Beethoven, que, si no recuerdo mal, eran varones blancos y dentro de la tradición clásica.

La evaluación más justa de la música de Price que he visto se remonta a 2001, en el mismo lugar que la reseña de Canfield pero diecinueve años antes, tal vez en tiempos de “despertar” menos opresivos que ahora, cuando cada palabra de cada mensaje de Twitter se somete a un juicio severo sobre su estricta obediencia al avance de las normas progresistas. Como escribió el crítico Michael Fine :

Su música orquestal. . . es como un trabajador pero rara vez inspirado. Hay momentos dulces y expresivos, sobre todo en el lento movimiento Grieg de la Tercera Sinfonía, pero la música serpentea en exceso. Momentos prometedores. . . nunca entregue. Su partitura es ocasionalmente efectiva, principalmente al establecer música tradicional como Deep River en la Suite del Río Mississippi, pero incluso aquí ofrece pocas ideas nuevas sobre estas notables melodías. La Suite Mississippi tiene una conexión superficial con la Suite Florida de Delius y Appalachia con sus sonidos descriptivos del río y la vida en la ribera. Sin embargo, Price carece del genio y la comprensión intuitiva del compositor inglés de la forma musical del paisaje natural.

Ese veredicto podría extenderse generalmente a docenas de otros compositores y músicos que resultan ser negros o mujeres, o quizás transgénero o lesbianas. Representa un juicio sustantivo sobre la nueva plantilla —la narrativa irresistible— de la profesión y lo que pasa por pensamiento intelectual en las páginas de revistas relacionadas con las artes escénicas. Y eventualmente nos afecta a todos.

El objetivo primordial de los revolucionarios culturales de la música es utilizar ideológicamente la herencia musical de nuestra civilización como un medio para transformar la sociedad. Debe crearse una nueva historia. En esta narrativa hay que destacar compositores desconocidos, otros re-imaginados o reinterpretados, no por la excelencia del compositor o sus obras, sino por el mayor objetivo de poder y dominio cultural en la sociedad. Y algunas obras, más allá de los límites, simplemente deben suprimirse. Desaparecido de la vista, desaparecido de la memoria.

Aunque estoy seguro de que Florence Price, si estuviera viva hoy, se sentiría satisfecha por la atención que finalmente está recibiendo, dudo que le importen algunas de las razones.

La revolución nihilista posmarxista pone en peligro nuestra herencia artística, reestructura radicalmente nuestra expresión al servicio de la ideología. Y como resultado amenaza con robarnos la belleza, la riqueza y la grandeza de dos milenios, y reemplazarla con la camisa de fuerza yermo y la mentalidad ideológica del Archipiélago Gulag.

La batalla por nuestro patrimonio cultural aún no se ha unido por completo. Si no lo hacemos, estamos perdidos.


Boyd D. Cathey se educó en la Universidad de Virginia (MA, Thomas Jefferson Fellow) y la Universidad de Navarra, Pamplona, ​​España (PhD, Richard M. Weaver Fellow). Él es un ex asistente del difunto autor Dr. Russell Kirk, enseñó a nivel universitario y es Registrador Estatal retirado de los Archivos del Estado de Carolina del Norte. Ha publicado numerosas publicaciones en varios idiomas y es autor de La tierra que amamos: el sur y su herencia (2018). Reside en Carolina del Norte.

 

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2 comentarios en “El caballo de Troya musical. Destrucción de la civilización occidental a través de la música y las artes

  1. Buen articulo, yo lo recibí, directamente desde Carolina del Norte a mi email.
    Boyd D. Cathey y yo tenemos un amigo en común en Carolina del Norte, que me suele enviar todo lo referente al carlismo.

    Responder
  2. José Enrique Florencio Domínguez

    Sí, el artículo es excelente, pero no sé quién lo habrá traducido que ha puesto en inglés los títulos de obras de músicos que no eran anglosajones y cuyos títulos en español son de sobra conocidos por cualquier persona de mediana formación cultural, al menos de antes de la (no)LOG-SE y todo ESO. Perdón, pero soy traductor y tengo mucha deformación profesional.

    Responder

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